油畫的發展
油畫發展初期的歷史條件奠定了古典油畫的現實主義傾向。在15世紀的歐洲文藝復興運動中，人文主義思想出於對宗教的批判，產生了關註社會現實的積極訴求。為了逐漸擺脫以基督教經典為題材的單壹創作，許多著名畫家開始對當時生活中的人、景、物進行觀察和直接描寫，使宗教題材的作品中包含了明顯的現實世俗因素，有的畫家對現實生活的描寫也比較完整。文藝復興時期的畫家繼承了希臘和羅馬的藝術觀念，即他們不僅註重在作品中描述壹個事件或事實，而且還揭示了該事件或事實的前因後果，因此形成了註重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法。同時，畫家還探索了解剖學和透視學在繪畫中的應用以及明暗分布在畫面中的作用，形成了造型的科學原理。
人體解剖學的應用使繪畫中的人物造型具有逼真的準確比例、形狀和結構關系；焦點透視的建立使繪畫通過構圖形成錯覺的深度空間，繪畫中的景物與現實中的瞬間視覺體驗相同；明暗法將畫中的物體統壹在壹個主光源發出的光線下，形成由近及遠的清晰層次。人文主義的藝術主題和其他繪畫中追求寫實的理念，因為工具材料的限制而無法完善，油畫工具材料的表現適合充分體現。所以古典油畫經過長期的制作，變成了高度寫實的樣子。
從整體上看，古典油畫是油畫語言多種因素同時綜合運用的結果，但不同國家、不同時期的藝術家在此基礎上又特別註重某壹種或幾種因素，形成了不同的風格。文藝復興時期的意大利畫家更註重光影的運用。畫中景物的暗部被均勻地籠罩在陰影中，明暗界限呈現出柔和的過渡，營造出壹種集中而無縫的效果。達芬奇的《巖石中的聖母》是這種風格的代表。同時，尼德蘭畫家在畫作中清晰地描繪了場景的所有細節，場景之間的差異並不是明暗的過渡。r .康平的三葉祭壇畫《懷孕通知》詳細呈現了室內室外的所有場景。意大利的提香是第1位特別註重油畫表現力的畫家。他在深色背景上作畫，經常使用明度相近、色調略有不同的亮色，形成瑰麗的金色調。透明顏料的反復重疊，濃淡分明的筆觸，使色彩與形式有機交融，營造出質感效果。
17世紀是歐洲古典油畫快速發展的時期。不同地區、不同國家的畫家根據他們生活的社會背景和民族氣質，對油畫語言進行了不同的深入探索。油畫的類型分為歷史畫、宗教故事畫、團體肖像、個人肖像、風景畫、靜物畫、風俗畫等等。油畫技法也日益豐富，形成了各個國家和地區的流派。
17世紀的壹部分油畫強調油畫的光感，利用冷暖色彩的對比、明暗強度和厚度層次來營造光感，形成畫面的戲劇氛圍。意大利畫家卡拉瓦喬打破了以往油畫中有序和諧的光感效果。他加強了畫面上的明暗對比，經常利用畫面背景平面的大片暗部來襯托前景中的明亮人物，讓人覺得畫中的光線很刺眼。西班牙畫家埃爾·格列柯(El greco)將風景描繪成斑駁的光影。他不是從明暗這兩個道貌岸然的角度來建模的，而是從明暗的間歇分布來建模的。色彩的冷暖也形成了斷斷續續的連續變化，用筆凝重，色彩層在擠壓中相互滲透，給人壹種撲朔迷離的效果，有的甚至彌漫著神秘不安的氣氛。荷蘭畫家倫勃朗也把繪畫中的光感作為表現人的精神狀態的手段。在他所作的大量肖像畫中，人物都被籠罩在大片的黑暗部分，只有表達表情的面部、手部等重要部位呈現出明亮的亮度。他在暗部用沈穩的色彩營造出多層的薄塗，讓暗部顯得深邃，而在亮部用厚畫和刀法疊畫，營造出厚重的體量感。
同時，筆觸的運用也被很多畫家所探索。筆觸是油畫筆用顏料在畫布上運動的痕跡。早期的油畫，整個畫面各部分的顏料層厚度比較壹致，筆觸均勻，幾乎不露筆觸。17世紀的畫家註意到，筆觸的運動是由創作時的心情和情緒節奏所驅動的，畫家在繪畫時可以產生情緒來控制筆觸的運動。筆觸的輕、重、緩、急不僅使塑造的形象生動，而且筆觸本身也具有藝術表現力。
法蘭德斯畫家P.P .魯本斯在許多巨幅作品中大量使用蘸有薄而亮的顏色的繪畫，順著人物的身影，留下自由奔放、彎曲的筆觸，造成了人物的強勁氣勢和故事的戲劇性沖突。荷蘭畫家哈爾斯(Hals)用輕快靈活的筆觸畫肖像，使肖像充滿活力，與他豪邁樂觀的性格相得益彰。另壹位荷蘭畫家j·維米爾擅長用珍珠般細膩圓潤的筆觸描繪房間裏的人物，使畫面產生壹種寧靜溫馨的氛圍。油畫的發展在19世紀有了新的趨勢，主要是油畫色彩的變化。英國畫家j·康斯特布爾(J. constable)第壹個直接用油畫在戶外寫生，獲得了豐富的色彩感。他在局部區域用微小的筆觸將顏色並置，使之混合成更鮮明的色塊，畫面比古典的棕色調明亮很多。顏色的互補色——色輪兩極的顏色並列時可以提高彼此的亮度和強度的原理——後來得到了科學的認可，但康斯特布爾通過觀察自然可感知地獲得了互補色原理，並在實踐中部分地應用了它。他的作品啟發了法國畫家e .德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主義主導創作，根據當時的歷史事件創作大型主題繪畫。他把補色關系更多地運用到自己創作的色彩表達中，在畫面的很多地方用積極的筆觸形成色彩對比，增強了色彩的明度和華麗感，形成了震驚當時畫壇的風格。法國巴比松畫派的許多畫家在不同的自然氣候條件下寫生，認識到景物的光源色、固有色、環境色之間的關系，以及色調在反映時間、環境、氣氛，烘托藝術主題，形成畫面的意境和情調方面的重大意義。他們的大量山水創作描繪了自然的風、雨、晨、暮等特定的色彩氛圍。在此基礎上，法國印象派畫家對色彩的運用做出了創新性的貢獻。他們吸收了光學和染色化學的成果，用色光混合的原理解決了油畫的色彩問題。c .莫奈、a .西斯萊等畫家捕捉外界光景表面的光線變化所賦予的色彩的瞬間印象，以精細筆觸的厚重畫法並置對比色。他們認識到暗部或陰影不是黑色濃淡的變化，改變了傳統的用調和的單壹顏色畫暗部的做法，用色點把暗部和陰影部分並列起來。由於視覺生理的作用，並置的色點是透明的，從壹定距離看趨於冷暖，並形成微妙的過渡。印象派淡化景物的體量感，強化色彩因素。印象派不是靠明暗和線條來形成空間距離感，而是根據色光反射原理，用色彩的冷暖來形成空間。印象派作品從未如此生動傳神，這也說明了色彩既是綜合的，又是純粹的表現。
19世紀，出現了藝術思路清晰的歐洲油畫流派。油畫技法雖然主要體現在藝術主題和內容上，但也有自己的特點。比如新古典主義在油畫中註重意象造型的嚴謹和紮實，符合古典傳統的造型規律；浪漫主義圍繞悲劇主題，在構圖上力求用色彩、筆觸、動線營造畫中情節的張力；前拉斐爾派註重畫中人物心理情緒的表達，很多畫面都是由藍、紫、綠三種色調構成的。現代油畫雖然外觀豐富，但都具有寫實主義的整體特征，具體表現為:壹幅油畫是藝術形式的統壹體，色彩的主色調統壹了畫面各部分的色彩，局部色彩在過渡和漸變中相互形成和諧的關系，沒有孤立的色塊；筆觸基本上是用來塑造形象的，暴露程度有限，統壹在壹種或長或短的有序傾向中；被描繪的物體統壹在中央焦點的構圖中，與真實的視野形成同構的效果。
從19年底開始，西方油畫發生了根本性的變化。傳統油畫狹隘的藝術功能和綜合的寫實技法已經達到了自身體系的高度飽和，因而在哲學觀念和藝術觀念的變化中趨於解體。油畫不再以模仿和再現自然為原則，藝術家自由建構的油畫藝術形象被視為新的現實。藝術家不再通過油畫如實地描繪自然，而是以油畫為媒介來表達自己的精神和情感世界，通過想象和幻想來建構自己的作品。印象主義之後的三位畫家率先拋棄了傳統的油畫模式。五、梵高奔放的筆觸，使厚重明亮的色彩充滿強烈的力感，表達內心的情感焦慮。p高更用象征性的顏色和形狀構成壹幅畫面，作品的空間與傳統形式相反，帶有壹種不可描述的神秘氣氛。p·塞尚探索了用幾何圖形來構成藝術形象，創造了壹幅豐富多彩的世界圖景。他們的作品已經成為油畫面貌劇變的象征。
在20世紀油畫中，不同的藝術觀念形成了不同的流派，從而制約了藝術形式呈現出多樣化的傾向。傳統油畫技法中的壹些因素往往被強化為藝術觀念的形式體現，甚至被推向極端，油畫的形式語言受到高度重視。比如立體派，無視色彩，以自由構造身體為主；註重強烈色彩狀態下平衡效果的野獸派；通過顏色和筆觸的無序使用來表達扭曲心理的表現主義；抽象主義，純粹由色彩的點、線、面構成；以及隨意在畫布上拋灑、潑灑、滴落顏料的抽象表現主義。近百年來，西方現代油畫流派眾多，此起彼伏。只要用油畫工具和材料作為造型媒介，藝術家就可以創作出任何油畫外觀。隨著藝術概念的不斷擴展，油畫材料與其他材料相結合，產生了壹種不屬於某壹特定畫種的綜合藝術，油畫也因此在西方趨於失去主體畫種的地位。
材料和工具
壹種用透明植物油混合顏料的繪畫，在布料、紙張和制成的木板等材料上創造出藝術形象。它起源並發展於歐洲，近代成為世界上重要的繪畫。15世紀以前歐洲繪畫中的蛋彩畫是油畫的前身。在使用蛋彩畫法的同時，許多畫家繼續尋找更理想的調和劑。壹般認為，15世紀初來自荷蘭的畫家範艾克兄弟是油畫技法的創始人。他們在以往嘗試用油溶解顏料的基礎上，用亞麻油和核桃油作為調和劑進行繪畫，使繪畫流暢，顏料在畫面上幹燥時間適中，在繪畫過程中易於多次遮蓋和修飾，形成豐富的色彩層次和光澤度。幹燥後，塗料附著力強，不易剝落和褪色。他們
新的油畫材料的使用在當時的畫壇非常有影響。油畫技術很快傳播到其他西歐國家，尤其是意大利的威尼斯。
油畫的主要材料和工具有顏料、畫筆、小刀、畫布、清漆、畫框等等。
①顏料可分為礦物和化學合成兩大類。原顏料多為礦物顏料，手工磨成細粉，作畫時調成鼻出血。到了近代，被工廠批量生產，裝入錫筒，顏料的種類也越來越多。顏料的性質與其所含的化學成分有關。調色時，化學作用會引起壹些顏料之間的不良反應。因此，掌握顏料的性質，有助於充分發揮油畫技巧，使作品色彩長久不變。
(2)刷子，用彈性適中的動物毛發制成，有尖尖圓、扁尖平、短尖平、扇形等。
(3)畫刀又稱調色刀，由彈性薄鋼片制成，有尖形和圓形之分。它用於在調色板上均勻混合顏料。很多畫家也用刀代替筆，直接用刀作畫或者在畫布上部分形成顏料層和紋理，增加表現力。
(4)帆布(Canvas)，標準的帆布，是將亞麻布或帆布在木制內框上拉伸，用膠水或油與白粉混合，塗在布的表面而成。壹般做成不吸油有壹定圖案效果的粉底，或者根據創作需要做成半吸油或全吸油的粉底。布紋的粗細取決於畫框的大小和繪畫效果的需要。有些畫家用畫有背景色的畫布，容易形成統壹的畫面色調，也能在繪畫時不經意間透露出背景色。塗底漆後，不吸油的木頭或紙板也可以代替帆布。
⑤上光，壹般在油畫完成幹燥後，用清漆覆蓋，以保持畫面的光澤，防止氣蝕和汙損。
⑥畫框，壹幅完整的油畫包括畫框，尤其是寫實性很強的油畫。框架形成了觀者對作品視覺的邊界，使畫面顯得完整而集中，畫中的物體在觀者的感覺中向縱深發展。畫框的厚度和大小取決於作品的內容。古典油畫的外框多為木質和石膏材質，現代油畫的外框多為鋁合金等金屬材質。
油畫技法
油畫工具和材料的局限性導致了油畫技法的復雜性。幾個世紀以來，藝術家們在實踐中創造了多種多樣的油畫技法，使油畫材料充分發揮表現效果。油畫的主要技法有:
(1)透明疊加法，即在不加白的情況下，用彩油稀釋的顏料進行多層次描繪。每層幹透後再刷下壹層是必須的。因為每壹層的顏色都比較薄，所以可以隱約顯露出下層的顏色，與上層的顏色形成微妙的色調。比如在深紅色層上塗上穩定的藍色，會產生藍中透紫的豐富效果，即冷中升溫，這往往是調色盤上無法轉移的色調。這種畫法適合表現物體的質感和厚重感，特別適合生動地描繪人的皮膚細膩的色彩變化，使人感到血液在皮膚表皮下流動。它的缺點是色域窄，制作工藝細致，完成作品的時間長，不容易表達藝術家當下的藝術創作感受。
(2)不透明疊加法，又稱多層著色法。繪畫時，先用單壹顏色畫壹個大圖形，再用多種顏色塑造。暗部往往塗得較薄，中間色調和亮部則層層厚塗，或遮或留，形成色塊對比。由於粗細不同，表現出色彩的豐富韻致和質感。透明和不透明的畫法沒有嚴格的區別，畫家往往在壹幅畫中綜合運用。當表達黑暗或陰影中的物體時，透明的遮蓋色彩法可以產生穩定而深刻的體量感和空間感；不透明顏色疊加的規則，容易在暗部之外塑造形體，增加畫面色彩的飽和度。19世紀以前，大部分畫家都是用這兩種畫法，通常需要很長時間才能做出作品。有的是畫了壹層後放了很久，等色層完全幹了再畫。
③不透明原色法，又稱直接著色法。也就是說，在畫布上做出物體的輪廓後，憑借物體的色彩感覺或畫面色彩的想法進行色彩的鋪設，基本上壹次完成，用畫刀刮掉不正確的部分再繼續進行色彩的調整。這種畫法，每壹筆蘸的顏料較厚，色彩飽和度高，筆觸清晰，容易表現出繪畫時的生動感受。19世紀中期以後的很多畫家都采用了這種畫法。為了達到壹次上色後全色層的效果，必須註意筆勢的運用，即畫法。常用的畫法分為平塗、松塗、厚塗。平畫是用單向的力度，均勻的筆觸，畫出大面積的色彩，適合在穩定、沈穩的構圖中塑造靜止的形體；散畫是指筆觸根據被畫體的自然轉折趨勢，筆觸松散靈活；厚塗層是顏料的全部或部分厚堆，其中壹些形成高達幾毫米的顏色層或色塊，使顏料呈現有趣的紋理，增強其形象。
油畫作為壹種藝術語言，包含了色彩、明暗、線條、肌理、筆法、肌理、光線、空間、構圖等諸多造型因素。油畫技法的作用是綜合或個別地反映所有造型因素。油畫材料的表現充分提供了在二維基礎上應用油畫技法的可能性。油畫的制作過程是藝術家有意識地、熟練地掌握油畫材料，選擇和運用能表達藝術思想的技法，形成藝術形象的創作過程。油畫不僅表達了藝術家賦予的思想內容，也表現了油畫獨特的語言。油畫的發展過程經歷了幾個時期:古典、現代、現代。不同時期的油畫受時代藝術觀念和技法的支配，呈現出不同的面貌。
參考資料:
/view/6852.html